La seconde soirée au Bodeek ouvre cet espace de jeu avec Ato No Mae et leurs nombreux objets musicaux mobiles, ainsi qu’avec la bray harp de Rhodri Davies, précédés d’une lecture-performance de Jennifer Walshe sur la création artistique à l’ère de l’IA.

Diane Barbé et Marie Thompson activent l’installation de Sonia Saroya et Édouard Sufrin dans l’expo, et les micro-résidents tekhnē présentent les pièces qu’ils ont réalisés pendant le festival.

Pour Oscillation ::: from the Mothership, une série d’entretiens met en dialogue les artistes du festival. Chaque entretien mettra en lumière les idées, les positions et les méthodes de travail des artistes, en explorant leurs points de convergence et de divergence.

Début 2024, le long essai de Walshe 13 Ways of Looking at AI, Art & Music est publié par Unsound. Le texte propose un cadre singulier pour considérer les œuvres réalisées avec l’IA et suggère de les regarder depuis plusieurs positions à la fois. Dans cette conférence, Walshe présente cet essai et explique pourquoi l’IA peut être vue comme de la fan fiction, une boisson énergisante et, aussi improbable que cela paraisse, des seins.

© derVisagist.com

Au cours de la dernière décennie, la compositrice et vocaliste Jennifer Walshe travaille avec, à travers et autour de l’IA et construit un ensemble d’œuvres tour à tour ludiques et anarchiques, sérieuses et stimulantes pour la réflexion. ULTRACHUNK, une collaboration avec l’artiste et technologue Memo Akten, naît d’une année consacrée à créer un jeu de données de vidéos d’elle-même vocalisant, afin d’entraîner une IA à générer une version audiovisuelle avec laquelle improviser en live. Dans A Late Anthology of Early Music, Vol. 1: Ancient to Renaissance, album de l’année pour The Wire, The Quietus et The Irish Times, elle utilise l’apprentissage automatique pour réimaginer l’histoire ancienne de la musique occidentale. Pour The Text Score Dataset 1.0, Walshe consacre cinq ans à rassembler plus de 3 000 partitions textuelles afin de tester la capacité de différents modèles à produire un Fluxus 2.0.

Ato no Mae signifie « Avant la trace » [Before a Trace] et désigne le duo formé par Takako Minekawa – qui débute comme chanteuse au début des années 1990 et devient ensuite une figure importante de l’improvisation – et Takahiro Kawaguchi, actif depuis 2004 dans les domaines de l’improvisation et de l’art sonore. Leurs performances traversent les frontières entre pratiques, intégrant objets trouvés, instruments auto-construits, claviers et voix. Ce qu’iels produisent dépasse la musique elle-même, et laisse une atmosphère, une présence et des traces dans l’espace.

Dans leurs propositions in situ, qui engagent l’ensemble du lieu, leurs performances évoquent souvent des scènes proches du théâtre ou du cinéma. Le nom Ato No Mae exprime leur approche : les traces qui apparaissent après la performance ne sont pas de simples restes, mais des éléments essentiels de l’œuvre, un résultat qui définit leur pratique artistique. Co-curated avec In vitro.

In Settle, composer Sarah Hennies pushes the boundaries of instrumental timbre and the technical standards of performers. Repetition and subtle nuance give rise to instabilities in the sound, dissolving the edges of virtuosity and of time, and allowing tones to unfold in space.

Andrés Navarro García explores percussion in relation to space, objects, and the present moment. His approach starts with sound rather than music, with physical vibration rather than theoretical concepts. Rubén Orio is a musician based in Brussels. His work covers contemporary, experimental and improvised music formats.

« Il semble que sur les anciennes harpes galloises du XVIe siècle se trouvaient des chevilles ou brays sortant des trous des cordes, appelés en gallois gwrachïod (Mersenne les nommait harpions), qui pouvaient être réglés pour presser les cordes. Plus tard, ces brays produisaient un effet de bourdonnement qui ajoutait une dimension percussive adaptée à la danse… »  – Osian Ellis, The Story of the Harp in Wales

« Brays précis, inclinés / exprime chaque émotion profonde. »

« Ceimion wrachïod cymmwys / Yn siarad pob teimlad dwys. »

(extrait d’un cywydd demandant une harpe par Huw Machno, env. 1560-1637)

Rhodri Davies est harpiste, compositeur et artiste multidisciplinaire dont la pratique intègre l’improvisation comme mode de recherche. Il joue de la harpe, de la bray harp, de la harpe en crin de cheval et de la harpe électrique, et construit des installations de harpes activées par le vent, l’eau, la glace, la glace carbonique et le feu. Son travail explore des sons expérimentaux, des techniques étendues et le dialogue avec d’autres artistes, ce qui élargit les possibilités expressives de la harpe en solo comme en ensemble. Pour cette performance, il joue de la bray harp.