In the Spirit We(‘re) Play(ed)

1970’s, aux USA une musique fleu­rit, dénom­mée par les ama­teurs «spi­ri­tual jazz».

Mais quels liens entre­tiennent esprit(s) et musique? Et les étoiles là-dedans? Pourquoi le jeu d’une musique sidé­rale devint-elle une nour­ri­ture pour l’esprit?

Abordant de nom­breuses mytho­lo­gies liant ces trois thèmes, ce module met en réso­nance des pra­tiques afri­caines avec ce spi­ri­tual jazz des Amériques.

Talk en français.

Depuis dix ans, Pierre Deruisseau déve­loppe le pro­gramme Astrophonie — une explo­ra­tion des espaces mytho­lo­giques pré­sents dans les musiques. Une recherche pas­sion­nante et sur­pre­nante, trans­mise dans une forme vivante à la croi­sée du conte, de la confé­rence et de la séance d’écoute.

Le pro­jet Agripuncture / Sore Spot Songs s’ins­pire des tra­di­tions des jar­dins de la vic­toire d’a­près-guerre, des man­tras védiques et de la gué­ri­son bota­nique. Au cours d’a­te­liers per­for­ma­tifs d’“Agripuncture”, Sarah van Lamsweerde, Esther Mugambi et Raoul Carrer invitent des locaux à res­sen­tir les points dou­lou­reux de notre ville et à réflé­chir à la manière dont nous pou­vons col­lec­ti­ve­ment en prendre soin.
En trans­po­sant le plan du quar­tier sur le jar­din du toit de Q‑O2, nous par­le­rons et chan­te­rons des chan­sons anciennes et nou­velles sur les expé­riences vécues dans la zone du canal, tout en nous pro­me­nant par­mi un ensemble sen­so­riel de plantes couvre-sol et de plantes médicinales.

Sarah van Lamsweerde crée des per­for­mances, des publi­ca­tions et des ins­tal­la­tions qui explorent la rela­tion entre le lan­gage, le corps et la culture visuelle. Elle col­la­bore à long terme avec un cer­tain nombre de groupes de pairs et a fon­dé en 2010 la Stichting Tre Tigri, une pla­te­forme pour la réa­li­sa­tion et la pro­mo­tion de pro­jets inter­dis­ci­pli­naires, dont fait éga­le­ment par­tie Esther Mugambi. 

Esther Mugambi est une créa­trice inter­dis­ci­pli­naire et une chan­teuse d’o­ri­gine aus­tra­lo-kényane. Esther pense en images et écrit en musique. Elle fran­chit sans effort toutes sortes de fron­tières, qu’elles soient natio­nales, eth­niques, sociales ou cultu­relles. Ses outils sont une voix cris­tal­line, un regard cri­tique et beau­coup d’humour.

Raoul Carrer a pas­sé la majeure par­tie de sa vie en Afrique (Bénin, Afrique du Sud, Mali) et s’est ins­tal­lé en France en 2012. Raoul com­bine sa pra­tique de la danse avec une recherche artis­tique autour de la culture urbaine qui le sti­mule à plon­ger davan­tage dans la musique, le beat-making, la mode et la vidéo.

Dans tabling, les sons du vent et les bruits pro­ve­nant de l’ex­té­rieur de la salle de spec­tacle sont intro­duits dans l’es­pace et fil­trés par une col­lec­tion de haut-par­leurs et de réso­na­teurs fabri­qués par l’ar­tiste lui-même à par­tir d’une varié­té de maté­riaux tels que le métal, le cris­tal, le verre et la céra­mique. Les sons émis par les réso­na­teurs sont cap­tés par des micro­phones et ren­voyés aux objets, créant ain­si un pay­sage sonore en constante évo­lu­tion, fait de rétro­ac­tion et de résonance.

Jeroen Uyttendaele crée des ins­tru­ments audio­vi­suels, des ins­tal­la­tions et des com­po­si­tions sonores. Sa pra­tique balance sou­vent entre le déve­lop­pe­ment d’un ins­tru­ment et l’ap­pli­ca­tion de cet ins­tru­ment dans un arran­ge­ment tem­po­rel et spa­tial. Il est cofon­da­teur de iii­ni­tia­tive, une pla­te­forme gérée par des artistes et spé­cia­li­sée dans l’in­ven­tion de nou­veaux ins­tru­ments et for­mats de présentation.

Talk sur la ges­tion d’un label indé­pen­dant de rock and roll et de tech­no­lo­gie à l’é­poque des réédi­tions malé­fiques, des dis­co­thèques malé­fiques et de l’Internet malé­fique. Comment créer du feed­back dans le monde.

Talk en anglais.

Depuis près de 30 ans, Goodiepal est un grand repré­sen­tant de la musique infor­ma­tique théo­rique et des chan­sons mili­tantes scan­di­naves. Véritable artiste à l’âme, Goodiepal a mené des pro­jets radi­caux dans la tech­no­lo­gie infor­ma­tique et l’art médiatique.

Klangverordnung (2012)

De nom­breux sons ont été inter­dits au cours des der­niers siècles, comme les chants et les cris dans les rues, les bruits de moteur, les coups de tapis, les klaxon­ne­ments de voi­ture et même les aboie­ments des chiens. Cette pièce ramène ces bruits inter­dits, qui ont été réduits au silence par la loi, dans la ville. De toute évi­dence, en ne pou­vant pas appa­raître dans la ville pen­dant si long­temps, ces cadavres sonores ont chan­gé au fil des années. Ils seront pro­je­tés dans la ville à l’aide de deux de haut-par­leurs en forme de cornes orange. En les dépla­çant dans dif­fé­rentes direc­tions, une cho­ré­gra­phie de pro­jec­tions sonores est créée dans l’es­pace urbain.

Cathy van Eck com­pose des rela­tions entre des objets du quo­ti­dien, des inter­prètes humains et le son. Elle s’in­té­resse à la mise en rela­tion inha­bi­tuelle, sur­pre­nante ou poé­tique de ses gestes avec des sons, prin­ci­pa­le­ment par des moyens élec­tro­niques. Le résul­tat pour­rait être appe­lé art sonore per­for­ma­tif, car il com­bine des élé­ments de l’art de la per­for­mance, de la musique élec­tro­nique et de l’art visuel.

Unsurrounded XX1

back to the future

black to the future

Une col­lec­tion de 20 ans de tra­vaux audio­vi­suels: sam­pling, loo­ping, contre­point mul­ti­couche, détruire par trai­te­ment; le trai­te­ment comme manière de des­truc­tion pour renou­ve­ler l’a­fro-cubisme aryth­mique, l’a­fro­fu­tu­risme, les expé­riences de réso­nance avec des tam­bours, l’élec­tro­nique, les field recor­ding, la trom­pette de poche, le sho, la voix, les visuels. 

Le pro­jet Unsurrounded, a com­men­cé comme un pro­jet de per­for­mance solo dans lequel le son, le mou­ve­ment, les visuels et les mots entrent en col­li­sion. Chaque pré­sen­ta­tion s’ap­puie sur de nou­veaux apports et de nou­velles inter­ac­tions qui peuvent aller jus­qu’à des col­la­bo­ra­tions avec d’autres per­for­meurs, musi­ciens, artistes et toutes sortes d’es­paces et d’in­di­vi­dus (ani­maux compris).

Lázara Rosell Albear est une artiste cuba­no-belge avec une pra­tique cross-média, allant de la recherche du son et de la per­for­mance à la pro­duc­tion d’é­vé­ne­ments et de films. Elle explore le mou­ve­ment, la migra­tion, la trans­for­ma­tion, l’in­te­rac­ti­vi­té et ses effets sur la condi­tion humaine. Plutôt que de choi­sir entre dif­fé­rents médias, Rossel Albear s’ef­force de créer une uni­té contra­pun­tique et une immer­sion totale, tant à l’in­té­rieur qu’à l’extérieur.

Moment de repos; inter­views, frag­ments, ambiances en pro­gramme du festival.

Interviews avec Billy Roisz, Olivia Jack & Celeste Betancur, mix par Lendl Barcelos.

Listening Past

Qu’écoutes-tu? Listening Past est une confé­rence-per­for­mance ser­vant secrè­te­ment d’a­li­bi, inter­cep­tant ces pistes inoüies afin de signa­ler la fuite de l’a­ve­nir. Le temps fixe et homo­gène sup­pose un flux pro­gres­sif stan­dar­di­sé où ce qui suc­cède suit tou­jours ce qui pré­cède. Ceci dit, n’y aura-t-il pas eu d’in­nom­brables moments d’a­chro­ni­ci­té où les signes d’an­ti­ci­pa­tion peuvent être (mal) enten­dus à rebours (chez Pierre Ménard et Bayard)?

Conférence-per­for­mance en anglais.

Une note de pro­gramme dif­fu­sée en direct en fran­çais, néer­lan­dais et anglais accom­pa­gne­ra cette conférence.

Lendl Barcelos est un ​‚kataphysicien_​ne, archi­viste audio et artiste que l’on entend sou­vent rire. L’enseignement et les textes de Lendl se concentrent sur les cultures audi­tives et l’é­coute non­co­chléaire. Lendl DJ, joue avec les cho­ré­graphes Sanna Blennow et Sandra Lolax, conjure les démons avec Deca Mukhtar-Tawheed et Amy Ireland, et détourne les sens avec Marc Couroux, Valentina Desideri et Myriam Lefkowitz.

Prisma Interius (2016−2018) par Catherine Lamb est une série de neuf pièces pla­cées aux côtés du ​“syn­thé­ti­seur arc-en-ciel secon­daire” — un pont vers l’ex­té­rieur via des micro­phones en direct et des filtres à bande réson­nante qui colorent tout ce qui se pro­duit direc­te­ment dans l’en­vi­ron­ne­ment proche. L’intention est d’é­tendre l’es­pace har­mo­nique et les formes défi­nies par les ins­tru­men­tistes acous­tiques dans la pièce, de décou­vrir les limites de nos per­cep­tions d’é­coute en y tirant un fil infini. 

Prisma Interius IV extra­pole tous les élé­ments cri­tiques de la série elle-même sous une forme réduite. Lamb a ouvert cette expé­rience intime à des amis proches sous forme d’un petit ensemble (ici Rebecca Lane et Bryan Eubanks), en conti­nuant de déve­lop­per la pièce au fur et à mesure qu’elle est revi­si­tée.

Enregistré en direct à Berlin par Adam Asnan.

Catherine Lamb est une com­po­si­trice active qui explore l’in­te­rac­tion du ton, les som­ma­tions de formes et d’ombres, les expan­sions phé­no­mé­no­lo­giques, la construc­tion du limi­nal (les états entre l’ex­té­rieur et l’in­té­rieur), et la forme longue de l’introduction. Elle arrête le conser­va­toire en 2003 pour étu­dier la musique hin­dous­ta­ni à Pune, en Inde. En 2006, elle com­mence à déve­lop­per ses recherches sur l’in­te­rac­tion des sons et conti­nue à com­po­ser, ensei­gner et col­la­bo­rer avec des musiciens. 

Bryan Eubanks déve­loppe sa musique à tra­vers le tra­vail en solo et en col­la­bo­ra­tion. Depuis 1999, il a par­ti­ci­pé à de nom­breux pro­jets à court et à long terme dans dif­fé­rents contextes: impro­vi­sa­tion; com­po­si­tion d’œuvres élec­tro­niques et acous­tiques pour petits ensembles, ins­tru­ments solos, ordi­na­teurs et élec­tro­nique; orga­ni­sa­tion et sélec­tion de concerts pour d’autres artistes; construc­tion d’ins­tru­ments électroniques.

Rebecca Lane est une musi­cienne qui explore l’in­to­na­tion, en se concen­trant sur la per­cep­tion du son, mais aus­si sur les phé­no­mènes qui n’é­mergent qu’à tra­vers des façons spé­ci­fiques de tra­vailler ensemble. Sa pra­tique se nour­rit de rela­tions et de col­la­bo­ra­tions per­ma­nentes avec des com­po­si­teurs-inter­prètes, et au sein de duos et d’en­sembles, en uti­li­sant diverses flûtes (flûtes tra­ver­sières, flûtes à quart de ton, flûtes à bec) et occa­sion­nel­le­ment la voix ou des objets.

Moment de repos; inter­views, frag­ments, ambiances en pro­gramme du festival.

Interview avec Lucrecia Dalt, ambient live mix.

Avec la sor­tie du sep­tième album de Dalt, No era sóli­da (2020), un autre monde se trouve dans son uni­vers. Dans un élan d’in­tros­pec­tion, Dalt cherche à cap­tu­rer le moment où l’on devient un pur son. Ce pro­ces­sus de créa­tion trans­cen­dant convoque Lia: une appa­ri­tion de l’ar­tiste comme pos­sé­dée par des impul­sions mimé­tiques. Le lan­gage se dis­sout dans une col­lec­tion évo­ca­trice de glos­so­la­lie, tan­dis que le disque se gonfle de trem­ble­ments ryth­miques et des échos lunaires d’un orga­nisme sans foi ni loi, atta­ché à du maté­riel sonore. 

Enregistré en direct à Berlin par Adam Asnan.

Les com­po­si­tions métal­liques de Lucrecia Dalt nous incitent à repen­ser les pos­si­bi­li­tés de la maté­ria­li­té et de l’exis­tence. Des ques­tions sécu­laires sont cana­li­sées dans un lan­gage musi­cal dis­tinct et trans­gres­sif. Lucrecia Dalt cherche sou­vent son ins­pi­ra­tion dans les mondes de la fic­tion, de la poé­sie, de la géo­lo­gie et du désir, déter­rant des réfé­rences nuan­cées qu’elle démêle et aux­quelles elle répond dans sa musique.

Gimme More Noise

Play back. Feed back. Encore et encore. Et ain­si de suite. Le nuage de feed­back gran­dit et gran­dit jus­qu’à se déchar­ger en pluie de sons et en orages élec­triques pour croître à nou­veau et ain­si de suite.

Un télé­vi­seur à tube catho­dique, une gui­tare basse élec­trique, une contre­basse, deux syn­chro­ni­seurs, des tables de mixage vidéo et audio, un ordi­na­teur construit et pro­gram­mé par lui-même et un zoo de petits appa­reils élec­tro­niques se nour­ri­ront mutuel­le­ment et célé­bre­ront un fes­tin de bruits magni­fiques, de pay­sages sonores en méta­mor­phose et de formes d’i­mages abstraites.

Billy Roisz se spé­cia­lise dans la vidéo feed­back et l’in­te­rac­tion vidéo/​son en uti­li­sant des moni­teurs, des camé­ras, des tables de mixage vidéo, des syn­chro­ni­seurs, des ordi­na­teurs, divers appa­reils élec­tro­niques et une gui­tare basse pour géné­rer de la vidéo et du son.

Flujos est une live-coding per­for­mance par Celeste Betancur et Olivia Jack, qui uti­lisent le codage en direct et les gestes de la sou­ris pour créer un pay­sage sonore évo­lu­tif spé­ci­fique à un site (web). Pour voir et écou­ter cette per­for­mance, visi­tez le site web https://ojack.xyz/flujos. Le stream radio sur ce site web conti­nue­ra a dif­fu­ser le son de leur performance.

Followed by: Live Coding Session with:
daniel mon­salve aka. rodri­go aya­la
san­tia­go beni­tez aka san­tia­go beta
Noisk8
Cr0wl3y
sona­ti­na­pa­raor­de­na­dores

Olivia Jack est une pro­gram­meuse et une artiste qui tra­vaille fré­quem­ment avec des logi­ciels libres, la car­to­gra­phie, le codage en direct et les inter­faces expé­ri­men­tales. Elle est la concep­trice de divers outils créa­tifs basés sur un navi­ga­teur, dont Hydra (syn­thé­ti­seur vidéo codé en direct), PIXELSYNTH, Pixeljam (édi­teur de code col­la­bo­ra­tif) et LiveLab (rou­teur média pair-à-pair). Ses ensembles visuels en direct explorent les repré­sen­ta­tions algo­rith­miques de sys­tèmes impré­vi­sibles et chao­tiques, ain­si que l’é­cri­ture de logi­ciels en tant que pro­ces­sus désor­don­né et éphémère.

Celeste Betancur est une musi­cienne mul­ti-ins­tru­men­ta­liste, titu­laire d’un diplôme pro­fes­sion­nel en gui­tare du Berklee College of Music et d’un mas­ter en arts numé­riques. Pour l’IMT Medellin, elle est cher­cheuse dans des domaines tels que la didac­tique du code et de la pro­gram­ma­tion et les IHM pour les pla­te­formes édu­ca­tives et elle tra­vaille éga­le­ment au déve­lop­pe­ment d’in­ter­faces homme-machine. Celeste est une femme trans­genre, mariée et mère de deux enfants.